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Zu sehen sind großformatige Fotografien, die kaum mehr etwas von ihrem ursprünglichen Wirklichkeitsbezug erkennen lassen. Back tapeziert Bilder aus ihrem eigenen Archiv (zum größten Teil Landschaftsaufnahmen) auf die Straße und überlässt sie der Witterung, der Zeit, sowie den verschiedenen Mensch- und Um- welteinflüssen. Nach ein paar Tagen fotografiert Back die Bilder wieder ab und generiert so neue Fotografien, in die sich die Transformationsprozesse eingeschrieben haben. Aus der ursprünglichen Landschaftsdarstellung ist ein neues Bild entstanden, das die unterschiedlichen zeitlichen Ebenen vereint und mit der Umgebung und dem Untergrund zum Teil auf sinnverwirrende Weise neue Verbindungen eingeht: Eine Transformation mit offenem Ende sozusagen.

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Besonders poetisch ist Karolin Backs Fotografie vom Wolkenhimmel, der im Grunde – das wissen wir – nichts zu sagen hat, dessen Wolkenformationen aber uns allzu gern interpretieren lassen und uns zu Geschichten von windigen Wesen und verzerrten Fratzen inspirieren. – Dabei ist das Bild am Himmel ein bisschen wie die Fotografie: Auch wenn wir wissen, dass es sich um nichts mehr und nichts weniger als um die Abbildung der im Grunde reinen Oberfläche handelt, trauen wir diesen Bildern wesentlich mehr zu und halten sie – allen Zweifeln, die wir uns inzwischen angewöhnt haben zum Trotz – für Beweise für das, was da zu sehen ist.

(Dr. Jule Hillgärtner, Ausschnitt aus der Eröffnungsrede im Kunstverein Speyer)

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zwischen dem Ganzen. ist eine Serie kontrastreicher Schwarzweißfotografien, die sich mit der Instabilität von Ordnungssystemen und der Auflösung von Identität auseinandersetzt. Eine stets identisch dargestellte Figur, von hinten fotografiert, ist die konstante Form innerhalb variabler visueller Strukturen. Geometrische Projektionen überlagern Körper und Raum und erzeugen zunächst den Eindruck von Kontrolle, Rationalität und formaler Klarheit. Durch das Zerschneiden und Neuarrangieren der Fotografien wird diese Ordnung in Frage gestellt. Während die Position der Figur erhalten bleibt, fragmentieren die geometrischen Muster, verlieren ihre innere Logik und verschieben sich gegeneinander. Die Figur wird zunehmend Teil der Struktur, bis sie teils im Bildraum verschwindet.Diese Fragmentierung setzt sich in der Präsentation fort. Eine großformatige Fototapete versammelt alle Bildfragmente in einer verdichteten, hierarchielosen Komposition. Die Tapete fungiert als visuelles Archiv der Fragmente, als verdichtetes Feld reiner Unordnung – ein Hintergrund, der keine Orientierung bietet, sondern sie bewusst verweigert. Die Fotografien sind in unterschiedlichen Größen und Höhen darauf und darum angeordnet und folgen einer offenen, nicht-linearen Hängung. So entsteht eine Installation, die zwischen Unordnung und formaler Balance oszilliert. zwischen dem Ganzen verhandelt Ordnung nicht als stabilen Zustand, sondern als temporäre Konstruktion. Identität erscheint als veränderliche Größe, geformt durch Systeme, die sie strukturieren und zugleich auflösen.

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shut up and play (Nr.1 – 4 fortlaufend)

Fotografien in weißen Holzrahmen 150 cm / 100 cm

Im Gespräch beschreibt Karolin Back die Verärgerung, die Betrachterinnen und Betrachter vor der Arbeit Shut up and play empfinden, die ein Durchblicken auf das Motiv nicht mehr zulässt. Zwar stehen am Anfang der Serie persönliche Fotografien aus der Vergangenheit, die der Künstlerin etwas bedeuten. Das jedoch, was wir in den Fotografien sehen, ist das Ergebnis eines Prozesses der Verfremdung, in dem sich Abfotografieren, Ausdrucken und das manuelle Verformen und Bearbeiten des Papiers durch Zerreißen, Zerschneiden, Falten und Zerknüllen abwechseln. Die Bilder vereinen sieben bis fünfzig Arbeitsschritte, sie werden so zu Produkten, denen wiederum auch ein zeitlicher Prozess eingeschrieben ist. Back legt hier nicht mehr, wie in den Wellenbildern der Serie 00:01, Bilder nachträglich übereinander, sondern es sind verschiedene Zustände des bearbeiteten und abfotografierten Papiers in einer einzelnen fotografischen Darstellung bereits verschränkt. Das Ergebnis sind räumlich wirkende Fotografien, in die sich Gesten der manuellen Bearbeitung des Papiers ebenso eingeschrieben haben wie die Höhen und Tiefen des skulpturalen Papierobjekts. Jeder Zustand greift die letzte Fotografie auf, erweitert um einen manuellen Eingriff der Künstlerin. Die Fotografien stellen nicht externe Objekte dar, sondern machen sich selbst zum Thema, der mediale Charakter wird hier zu einem Objektcharakter. Das Besondere an dieser Abstraktion ist, dass ihre räumliche Wirkung den Rahmen ihrer in der Aufzeichnung vorgegebenen Zweidimensionalität aufbricht und uns so eine Erfahrung der Betrachtung von Fotografie ermöglicht, die Fläche und Raum verbindet. Statt Bildern sehen wir fotografische Dinge, oder besser Fotografien, die einen Gegenstand erst generieren, anstatt ihn zu fixieren oder abzubilden.

Svenja Paulsen, Textauszug aus dem Katalog: Play Loud / Talents40 / C/O Berlin

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Mit Ich könnte Ihnen mehr sagen, aber ich will nicht Nr. 3 schließlich kehrt Karolin Back zum analogen Material zurück, das vor Jahren am Anfang ihrer Beschäftigung mit der Fotografie in der Dunkelkammer stand. Das Verhältnis von Fotografie und Wirklichkeit ist hier insofern nochverstärkt, als keine digitale Übersetzungsleistung stattfindet. Denn die Fotografien entstehen analog und ohne den Einsatz einer Kamera direkt auf dem Negativ, das die Künstlerin an ihrem Fenster anbringt und in einem wöchentlichen Ritual der Witterung aussetzt. Der Versuchsaufbau bleibt gleich, jedoch ist das Ergebnis in keiner Weise vorhersehbar. Die Fotografie geht hier einen direkten Kontakt mit Naturphänomenen ein, der nicht durch die Kameralinse und das Auslösen der Fotografin vermittelt ist. Das Wirken von Licht und Witterung im Verlauf einer Woche hinterlässt -eine Spur auf dem Filmnegativ, so dass sich die Natur quasi selbst zeichnet. Dies führt auf die Ursprünge des Mediums zurück, Materialität der Zeit durch Licht zu erzeugen. Für Karolin Back wird die Fotografie zum Werkzeug in der Beschäftigung mit der sie umgebenden Welt

Svenja Paulsen, Textauszug aus dem Katalog: Play Loud / Talents40 / C/O Berlin

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Das Matterhorn, unser Prototyp des Berges ist ein gefährliches Kliff klischeebeladener Nichtfotog­rafierbarkeit. Karolin Back schafft in der Überlagerung eines Fotonegatives und eines positiv Films eine gegenseitige Auslöschung beider Bilder. Wie zwei gegenläufige Wellen eliminieren sie sich oder steigern sich zu doppelter Höhe. Der Betrachter navigiert durch den Raum und befindet er sich im Projektionsstrahl, offenbart der Schatten plötzlich die Realität der Bildwelten. Einerseits löscht er die Projektionen aus, andererseits wird so erst das Gegenbild sichtbar. Die beiden Projektionen sind wie zwei konkurrierende Leuchttürme, die mit gegensätzlicher Richtungsangabe nicht mehr einen sicheren Hafen markieren. Das Tafelbild der festen Positionsfeuer der Zentralperspektive verschwindet am Horizont und uns wird klar, dass wir uns auf dem schwankenden Wellen der Weltmeere befinden. (Prof. Martin Liebscher)

An den Wänden vier Fotografien. Manifest von manifestus = handgreiflich gemach steht für das feste, starke, den Stein das unveränderliche, das immer Daseinende. Der Berg als Manifest. Discofever bildet wiederum den Gegenpol. Die Veränderung, den Aufbruch, das Voranschreiten, das Licht und die Schatten und der gleichen mehr.

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Karolin Back spielt mit dem Zufall und anstelle den entscheidenden Augenblick so gründlich wie möglich zu kontrollieren, überlässt sie ihre Videokamera dem Atlantik und lässt sie so lange (an einer Schnur befestigt) schwimmen bis das Meer sie per Wellenbewegung wieder an Land spült.

Dr. Jule Hillgärtner, Ausschnitt aus der Eröffnungsrede im Kunstverein Speyer

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